Греческая архаическая культура

<

121414 1611 1 Греческая архаическая культура Тогда возникли большинство греческих полисов со своей системой ценностей и особой полисной, коллективистской моралью. Полисный строй воспитывал у греков особое мировосприятие, он научил их ценить реальные возможности и способности человека-гражданина, возведенные в высший художественный принцип и эстетический идеал античной Греции.

В архаическую эпоху возникли почти все основные формы античной культуры и искусства — материалистическая и весьма рациональная философия, классическая литература (лирическая поэзия), изобразительные искусства — архитектура, скульптура, живопись, разнообразные (олимпийские и пр.) игры. Таким образом, архаическая культура стала исходным рубежом развития классической культуры Эллады.

Наиболее развитой в культурном отношении областью Греции была Иония в Малой Азии.

Одним из наиболее важных открытий архаической культуры было создание греками своей системы письменности. Греки заимствовали у финикийцев семитский алфавит, усовершенствовав его путем добавления нескольких знаков для обозначения гласных. Греческий алфавит был простым и удобным: он состоял всего из 24 знаков. Язык древних греков распадался на диалекты, соответствовавшие местам расселения греческих племен: дорийский, ахейский, ионийский и эолийский.

В архаический период возникли новые жанры в греческой литературе. Эпоха героев ушла вместе с Гомером; внимание поэтов теперь привлекали не героические деяния прошлых веков, а сегодняшняя жизнь греков, чувства и переживания отдельного человека. Так появились лирика: от названия греческого музыкального инструмента — лиры, и дидактическая (поучительная) поэзия, наиболее ярким представителем которой был Гесиод из Беотии (VIII-VII вв. до н.э.), автор поэмы «Труды и дни».

Появление лирической поэзии связано с именем Архилоха с острова Парос (VII в. до н.э.). С невиданной прежде силой он передал в своих стихах и порывы страсти, и оскорбленное самолюбие, и желание мести, и готовность стойко переносить превратности судьбы. Вместо гекзаметра Архилох ввел в литературу новые размеры — ямб и трохей. Еще один иониец, Анакреонт с острова Теос (VI в. до н.э.), остался в памяти человечества как певец дружеских пиров и любви, имевший в более поздние века немало последователей и подражателей. Именно лирика Анакреонта создала известный всем образ веселых, радостно и безмятежно пирующих греков.

Лучших своих представителей архаическая лирика обрела на острове Лесбос на рубеже VII-VI вв. до н.э. Это поэт Алкей и поэтесса тончайшего лирического дарования Сафо, известная как автор любовных стихов и эпиталам (свадебных песен). Древняя Спарта стала центром развития хоровой лирики, одной из наиболее часто встречающихся форм которой был дифирамб — песнь в честь бога Диониса.

Во всем греческом мире распространилась слава о поэте Пиндаре (VI-V вв. до н.э.), воспевавшем высшую добродетель — арете, врожденное свойство аристократа, означавшее доблесть, физическое совершенство, благородство и достоинство.

Агональное (состязательное) начало греческой культуры породило целую систему знаменитых греческих игр. Настоящей жемчужиной среди них были Олимпийские игры, прославившие Древнюю Грецию в веках.

В греческом обществе постепенно утверждалась идея о победе в каком-либо состязании как высшей ценности, приносящей победителю почет и уважение среди граждан полиса. Еще в поэмах Гомера знатные аристократы состязались в силе, ловкости и упорстве, а победа в этих соревнованиях могла принести лишь славу, а не материальные блага.

Игры в Греции носили аристократический характер — участвовать в них могли лишь полноправные граждане полиса (из этого числа исключались женщины, рабы, полусвободные и иноземцы).

Древнейшими и самыми важными были игры, впервые проведенные в 776 г. до н.э. в области Олимпия на юге Греции и посвященные Зевсу. Начиная с этого времени они повторялись каждые четыре года (до IV в. н.э., когда римский император Феодосий 1 отменил Олимпийские игры, объявив их языческими забавами, не совместимыми с победившим в Риме христианством). Кроме Олимпийских в Греции существовали еще Пифийские игры (в Дельфах), Истмийские (в Коринфе) и Немейские в тех местах, где когда-то Геракл убил каменного льва. Все игры сопровождались общегреческим перемирием, а наградой победителям были лишь венки из оливы, лавра или сосны. Но эта скромная награда означала, что получивший ее является любимцем бога, и в этом качестве его чтили и прославляли, воздвигали в его честь статуи и слагали гимны.

Общегреческие игры и состязания сыграли огромную роль в истории античного искусства: прекрасное обнаженное тело атлета стало одним из самых распространенных мотивов древнегреческой скульптуры.

Начиная с архаической эпохи приоритет в искусстве Древней Греции сохранялся за пластическими видами искусства — архитектурой и скульптурой. Высочайшего мастерства достигли также греческие вазописцы, создавшие свой неповторимый стиль.

Все достижения греческой архитектуры, и конструктивные, и декоративные, связаны со строительством храмов. Греки создали собственный образ отдельно стоящей опоры — колонны. Но в отличие от египетских колонн греческая колонна была соразмерна человеку и уподоблялась его фигуре. Размеры капителей (верхних частей колонн) и баз (оснований) также исходили из пропорций человеческого тела.

В VII в. до н.э. в Греции возникла ордерная система. Ордер — это порядок связи несущих (колонны) и несомых (антаблемент, включавший архитрав, фриз и карниз) частей здания в стоечно-балочной конструкции. Согласно ордерной системе каждая часть греческого храмового здания выполняла строго определенную функцию. Этому способствовал и обычай раскрашивания отдельных частей сооружения.

В греческой архитектуре применялись два основных ордера: дорический и ионический. Разновидностью последнего был коринфский ордер. Характер двух главных ордеров ассоциировался с основными ладами античной теории музыки: строгим дорийским и радостным ионийским.

Дорический ордер возник в материковой Греции. Свое название он получил от дорийцев — одного из греческих племен, отличавшегося особой воинственностью и мужественностью. Дорическая колонна — также строгая, торжественная и достаточно массивная. Эта колонна не имела базы и вырастала непосредственно из стилобата (основания храма). Ствол ее немного сужался кверху и прорезался вертикальными желобками — каннелюрами. Капитель дорической колонны состояла из каменной подушки — эхина и квадратной плиты — абака. Архитрав был простым и гладким, фриз образовывали чередующиеся триглифы и метопы, а плиты карниза выступали над фризом.

Дорический стиль был присущ не только архитектуре. Под ним понимался строгий, мощный характер произведения в различных видах искусства — и в музыке, и в скульптуре, и в живописи.

Ионический ордер складывается в главных своих чертах в Малой Азии. Его отличали более легкие пропорции, изящество и широкое применение декоративных элементов. Ионическая колонна всегда имела профилированную базу, была легче и тоньше дорической, а каннелюры были более глубокими. Капитель ионической колонны имела характерное украшение, напоминающее по форме рога барана и называвшееся волюты. Фриз ионического храма — сплошной, без деления на метопы и триглифы.

В V в. до н.э. в греческой архитектуре появился коринфский ордер — пышный, зрелищный, со сложной капителью, похожей на прекрасную цветочную корзину.

Типичными образцами дорических построек архаической эпохи были храмы Аполлона в Коринфе и Посейдона в Песту ме. Об ионических храмах этой эпохи мы знаем больше из античной литературы: значительная их часть была уничтожена. Так, во всем греческом мире славились святилище Артемиды в Эфесе (Малая Азия) — одно из «семи чудес света», храм Геры на о. Самое, храм Аполлона вДидимах (Малая Азия)и др.

Необходимо особо отметить такую черту греческой архитектуры, как антропоморфизм, нашедший выражение в уподоблении дорической колонны мужественному мужскому телу, а ионической и коринфской — грациозной женской фигуре (отсюда атланты и кариатиды).

Архитектура тесно соседствовала и взаимодействовала со скульптурой.

К VIII в. до н.э. относится зарождение монументальной греческой скульптуры, которая сначала была деревянной или глиняной (терракота), затем стала отливаться из бронзы, а еще позднее — изготовляться из мрамора.

В VII-VI вв. до н.э. формируются основные типы греческой скульптуры, для которой в целом был характерен интерес к человеку, воспевание его физической и духовной красоты. Не случайно главным объектом греческой скульптуры был человек.

Скульптура архаической эпохи отличалась еще несовершенством и была представлена двумя типами фигур: обнаженного юноши — куроса и задрапированной в длинные одежды девушки — коры. До нашего времени сохранилось несколько десятков таких статуй. В статуях куросов (их иногда называют «архаическими Аполлонами», т.к. в течение длительного времени считалось, что они изображают этого греческого бога) чувствуется влияние монументальной египетской скульптуры. Эти статуи всегда статичны, строго симметричны и фронтальны; руки юношей сжаты в кулаки и прижаты к бокам. Фигуры девушек — кор — отличаются несколько большей свободой и полны изящества и грации. Иногда куросов изображали чуть улыбающимися, по-видимому, это была очень робкая попытка скульптора передать внутреннее состояние своего героя. Таков широко известный «Аполлон из Теней», хранящийся в Глиптотеке Мюнхена.

К концу VI в. до н.э. греческие скульпторы начали постепенно преодолевать первоначально свойственную их работам статичность и застылость.

Древние греки достигли большого мастерства в искусстве изготовления керамических сосудов и вазовой росписи.

<

Керамика сопровождала грека на всем его жизненном пути. Великолепные панафинейские амфоры вручали победителям спортивных состязаний, стройные лекифы ставили на могилы, в пифосах и амфорах хранили оливковое масло, вино и зерно, в больших кратерах смешивали вино с водой.

За несколько столетий, разделяющих гомеровскую и архаическую эпохи, искусство вазовой росписи претерпело большие изменения. Примитивный геометрический узор постепенно уступил свое место изображениям людей и животных. Стиль искусства вазописи VII в. до н.э. называют ориентализирующим, т.к. мотивы росписей на вазах напоминают рисунки на восточных коврах — это стилизованные растения, реальные и фантастические животные (львы и сфинксы, птицы с головой человека и др.), заимствованные греческими мастерами из искусства Сирии, Финикии, Персии и Египта. Главными центрами керамического производства были Афины и Коринф.

В следующем, VI, в. до н.э., греческая керамика начинает освобождаться от восточных влияний — возникает новый, черно-фигурный стиль. Изображение на вазах этого стиля исполнено черным лаком по красноватой глине. Геометрический узор заменяется сценами бытовыми, взятыми из жизни. К концу VI в. до н.э. чернофигурный стиль сменяется более сложным краснофигурным, при котором фигуры оставляются в цвете глины, а черным лаком закрывается фон: на черном фоне легче передавать объем и глубину пространства. Примечательно, что позднеархаическое искусство уже не анонимно — гончары и живописцы, даже скульпторы оставляют на своих произведениях собственные имена.

Так, широко известны вазы, расписанные талантливым афинянином Эксекием на мифологические сюжеты: жемчужиной архаического искусства называют его амфору «Ахилл и Аякс, играющие в кости». Знаменитыми были и имена Клития («ваза Франсуа» с изображением персонажей греческой мифологии) и Андокида, Евфрония и Евтимида.

Стремление к реализму в изображении, к гармонии между изображаемыми фигурами и формой сосуда делает греческую керамику периода архаики особенно ценной, с точки зрения знатоков искусства.

Архаическая эпоха заложила основу для будущего расцвета греческой культуры и искусства в следующую, классическую, эпоху.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2. Классическая скульптура V в. до н.э.

 

Классическая греческая скульптура V в. до н.э., с одной стороны, развивала традиционные черты, сложившиеся еще в скульптуре архаики, а с другой — преодолела многочисленные условности предшествующего периода.

Греческая скульптура V в. до н.э. сделалась образцом классического совершенства. Для ее стиля были характерны уравновешенность, строгая симметрия, идеализация и статичность. Лица греческих статуй всегда бесстрастны и статичны, характеры трактуются однозначно, внутренний мир героев лишен борьбы чувств и мыслей. Индивидуализации и психологизации образов, т.е. искусства портрета, античная скульптура вообще не знала. (Исключение составляет лишь искусство эллинистической эпохи.) Величайшие греческие скульпторы изображали людей такими, какими они должны быть. Статуи античных богов и героев мы различаем не по лицам, а по их типичным позам и атрибутам. Поэтому головы — совсем не главные части фигур в скульптуре греков. Таким образом, классическая греческая скульптура, являвшаяся эталоном прекрасного для последующих поколений, отличалась как раз теми качествами, которые, строго говоря, не должны были считаться образцом для подражания.

В начале V в. до н.э. в Афинах была отлита знаменитая бронзовая скульптурная группа «Тираноубийцы Гармодий и Аристогитон». Группа «Тираноубийц» интересна тем, что ее сюжет связан с падением в Афинах тирании и установлением демократии — событием, совпадающим с началом эпохи классики в скульптуре.

Одним из лучших образцов раннеклассической скульптуры является бронзовая «Статуя возничего» из г. Дельфы. Его стройная фигура напоминает строгую дорическую колонну. Несмотря на некоторую напряженность статуи, все же поза ее более естественна, чем у застывших архаических куросов.

Век высокой греческой классики выдвинул трех выдающихся скульпторов — Фидия, Мирона и Поликлета.

Фидий — афинянин, друг Перикла, которому первый стратег Афин доверил руководство восстановительными работами на Акрополе. Замечателен фриз Пар-фенона, выполненный Фидием и его учениками.

На фризе главного храма Акрополя чередуются трехчастные, выступающие из плоскости триглифы и квадратные плиты между ними — метопы. Девяносто две метопы Парфенона были заполнены рельефами, изображающими битвы греков с амазонками, лапифов — с кентаврами, сцены из Троянской войны, сражения богов и гигантов; причем из более чем 500 фигур, представленных на фризе, ни одна не повторяет другую. Скульптурный фриз Парфенона считается одной из вершин классического искусства.

В Парфеноне в обширном, окрашенном в синий и красный цвета зале стояла двенадцатиметровая статуя Афины-Девы. Богиня была изображена в образе прекрасной женщины. Статуя была исполнена в хрисоэлефантинной технике: из чистого золота была изготовлена одежда богини, а ее шлем, волосы и щит были сделаны из золотых пластин. Лицо и руки Афины-Девы были покрыты пластинами слоновой кости. В глазницы богини были вставлены драгоценные камни — сапфиры. Фидий явил миру новый образ Афины: богини-воительницы и богини мудрости, истинной покровительницы находящегося на вершине своей славы и могущества Афинского полиса.

Идеал человеческой личности был воплощен Фидием и в другой его знаменитой статуе Зевса Олимпийского для храма в Олимпии. Эта статуя причислялась к «семи чудесам света», ее высота—14м. Грозный бог изображен величаво сидящим на троне. Доброе лицо Зевса в изображении Фидия как будто воплощало идею мудрости и человеколюбия, а мягкий и человечный взгляд статуи не соответствовал сложившемуся образу жестокого и мстительного царя богов. Статуя Зевса, как и статуя Афины-Девы, была сделана из золота и слоновой кости. Древние авторы сообщали, что для грека было несчастьем умереть, не увидев Зевса Олимпийского. «Бог ли на землю сошел и явил тебе, Фидий, свой образ, или на небо ты сам, Бога чтоб видеть, взошел?» — восторженно писал древний поэт.

Обе хрисоэлефантинные статуи работы Фидия не сохранились. Они известны нам лишь по описанию древнегреческого историка Павсания (II в. н.э.) и по изображениям на монетах.

Фидием была создана и великолепная скульптура, размещенная на фронтонах Парфенона.

Кроме хрисоэлефантинной статуи Афины-Девы Фидию принадлежит еще одно скульптурное изображение этой богини — Афина-Воительница (Промахос). 12-метровая бронзовая статуя Афины, держащей в руках копье, золотой наконечник которого был виден далеко с моря, украшает площадь перед Парфеноном.

С творчеством Фидия связывается понятие «высокого стиля» в древнегреческом искусстве, которое выражалось в благородной простоте и одновременно в величии.

Два великих современника Фидия, Мирон и Поликлет, прославились созданием статуй атлетов-победителей.

Мирон, работавший в Афинах в середине V в. до н.э., был первым греческим скульптором, сумевшим передать фигуру человека в момент быстрого движения. Наиболее известна его бронзовая статуя «Дискобол», воплотившая идеальный образ человека-гражданина. Показательно, что даже в этой статуе, изображающей человека в движении, лицо метателя диска спокойно и статично.

Третий знаменитый скульптор V в. до н.э. — Поликлет из Аргоса, автор известных статуй Геры, «Раненой амазонки» и «Дорифора» (Копьеносца). Поликлет был теоретиком искусства — он определил законы пропорций идеальной человеческой фигуры и сформулировал их в трактате «Канон». Воплощением канона в пластике и была статуя «Дорифора». Согласно правилу, найденному Поликлетом, голова должна составлять 1/7 всего роста, лицо и кисть руки — 1/10, ступня — 1/6, а прямая линия носа должна продолжать линию лба. Статуи Поликлета всегда неподвижны и статичны.

Оригиналы работ Поликлета и Мирона не сохранились, дошли лишь их римские мраморные копии.

3. Новые тенденции в развитии скульптуры в IV в. до н.э.

 

Скульптура поздней классики обладала (по сравнению со скульптурой V в. до н.э.) рядом новых черт. Она стала более утонченной, показывала глубокие человеческие чувства, внутреннее состояние человека. На смену величавости, достоинству, суровой ясности и гармонии классического стиля пришли другие тенденции —драматический пафос, особый лиризм и грациозность. Их воплотили в своем творчестве величайшие греческие скульпторы IV в. до н.э. — Скопас, Пракситель и Лисипп, передавшие в скульптуре тончайшие оттенки движения человеческой души. Кроме этого, в скульптуре IV в. до н.э. большее место чем раньше заняли жанрово-бытовые мотивы, оттеснившие на задний план религиозные и гражданские.

Скопас, уроженец «мраморного» острова Парос, обычно создавал мифологические образы, которые поражали современников драматизмом, экспрессией и передачей сложнейшей гаммы человеческих чувств. Его «Менада» (Вакханка), танцующая спутница Диониса, охваченная вакхическим исступлением, является шедевром не только античного, но и мирового искусства. На обломках фриза Галикарнасского мавзолея также видна рука Скопаса, изобразившего битву греков с амазонками — «Амазономахию».

Младший современник Скопаса Пракситель ваял главным образом олимпийских богов и богинь. Он отказался от изображения прямостоящих статуй: его «Отдыхающий сатир», «Аполлон», а также «Гермес с младенцем Дионисом» с ленивой грацией опираются на опоры в позе мечтательного отдыха. Самая знаменитая статуя Праксителя — «Афродита Книдская» — прообраз многих последующих изображений богини любви. Впервые в истории греческой скульптуры Пракситель представил Афродиту в виде прекрасной обнаженной женщины.

Подлинных статуй Праксителя и Скопаса сохранилось очень мало; нам известны в основном лишь их римские копии.

Творчество Праксителя оказало заметное влияние на скульпторов эпохи эллинизма и на римских мастеров.

Стремление передать многообразие характеров — основная черта творчества третьего великого скульптора IV в. до н.э. — Лисиппа. Он оставил потомкам прекрасный бюст Александра Македонского, сохранившийся лишь в римской копии, и разработал новый пластический канон, заменивший канон Поликлета. Этот новый идеал полнее всего воплощен в «Апоксиомене» Лисиппа.

Имя афинянина Леохара связано с хрестоматийным произведением — «Аполлоном Бельведерским». Римская копия этой статуи находится в Ватиканском музее, так называемом Бельведере, отсюда и ее название — Аполлон Бельве-дерский. Изысканность и эффектность Аполлона приводили в восхищение художников эпохи Возрождения, считавших его эталоном классического стиля.

«Аполлон» Леохара свидетельствовал о том, как изменился идеал мужской красоты в греческом искусстве.

В целом и в архитектуре, и в скульптуре, и в живописи IV век до н. э. отмечен зарождением многих тенденций, которые получат полное выражение в следующую, эллинистическую эпоху.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4. Эллинистическая скульптура

 

Пластическое искусство эпохи эллинизма характеризуется стремлением к эффектности, грандиозности и показной пышности — эти черты были унаследованы им от восточных монархий. То, что составляло когда-то славу греческой классики, — чувство меры и гармонии —было безвозвратно утеряно эллинистическим искусством. Вместо этого на первый план выступили грубость, жестокость, беспомощность и трагизм — чувства, к которым проявляли повышенный интерес скульпторы IV-1 вв. до н.э., достигшие высочайшего мастерства в технике обработки мрамора.

В отличие от архитектуры скульптура эллинистической эпохи более всего сохранила греческий облик, продолжая традиции поздней классики. Как и в предыдущие периоды, скульптура оставалась неотъемлемой частью архитектурного убранства эллинистических городов. Но если классические формы искусства сложились в рамках демократического полиса и поэтому воплощали идеал человека-гражданина, то в эпоху эллинизма пластика приобрела новые черты. Монархический строй эллинистических государств и иное мировоззрение вызвали к жизни официальную, придворную тенденцию искусства, воплотившуюся в монументальных портретных и аллегорических статуях. Другая тенденция эллинистической скульптуры нашла выражение в интересе к изображению частного, личного, а не общественного, как прежде. Для нее характерно любопытство к житейским подробностям, к повседневности, ко всему тому, что позднее стали называть «жанром».

Сложное развитие разноликих эллинистических государств породило создание многих художественных школ в скульптуре. И если в классическую эпоху процветала главным образом афинская школа пластики, то в период эллинизма на передний план выходят новые центры скульптурного творчества — Пергам, Александрия, Родос и Антиохия. Лучше всего известны произведения пергамской школы с характерной для нее патетикой и подчеркнутым драматизмом скульптурных изображений. Так, монументальный фриз огромного Пергамского алтаря, исполненный в очень высоком рельефе, передает битву олимпийских богов с восставшими против них сынами Земли — гигантами. Гиганты гибнут, их фигуры выражают отчаяние и страдание, фигуры олимпийцев, напротив, спокойны и воодушевленны. Авторы пергамского фриза прекрасно выразили дух своей беспокойной эпохи, весь ужас и безнадежность перед лицом смерти.

Также не менее выразительна и полна драматизма круглая скульптура пергамской школы. «Умирающий галл», «Галл, убивающий себя и свою жену» — великолепные образцы патетики и пафоса пергамского искусства, мужественного и прекрасного.

Традиции искусства Скопаса унаследовала одна из самых знаменитых эллинистических статуй — «Ника Самофракийская». Статуя богини победы была воздвигнута на острове Самофракия в честь победы родосского флота (ок. 190 г. до н.э.). Установленная на пьедестале, напоминающем нос корабля, она стояла когда-то, трубя в рог, на высоком утесе на берегу моря. Голова статуи не сохранилась, но ее торс в развевающихся одеждах исполнен стремительного движения.

Скульпторы эллинистической эпохи обращались и к классическим образцам. Примером этого может служить статуя работы Агесандра — «Афродита Ми-лосская» (II в. до н.э.). Современные ей статуи богини любви были более чувственны и даже жеманны, Агесандру же удалось возродить дух искусства классики, создав образ высокой нравственной силы.

Прославленные статуи Ники Самофракийской и Афродиты Милосской украшают собой Парижский Лувр.

Блестящая школа эллинистической скульптуры существовала на острове Родос. Особой славой пользовалась скульптурная группа «Лаокоон», изваянная родосскими мастерами Агесандром, Афинодором и Полидором (I в. до н.э.). Сюжет этой скульптуры взят из «Одиссеи» Гомера: троянский жрец Лаокоон и его сыновья, предостерегавшие троянцев от введения в город оставленного греками-ахейцами деревянного коня, были жестоко наказаны богами — покровителями греков — Афиной и Посейдоном, которые наслали на троянских героев гигантских змей, задушивших их. В «Лаокооне» ярко проявился патетический дух эллинистического искусства, его острый драматизм и трагичность. Скульпторы прекрасно передали ужасные страдания и агонию своих героев.

Скульптура «Лаокоон» сейчас хранится в Ватиканском музее.

Не обошла эллинистическую скульптуру и страсть к гигантомании: ярким образцом ее являлась огромная 32-метровая статуя бога Гелиоса из золоченой бронзы, установленная у входа в Родосскую гавань. Над статуей Колосса Родосского 12 лет трудился ученик Лисиппа Харес из Линда, и это чудо инженерного искусства заняло последнюю, седьмую, строчку в списке «чудес света». Как и большинство других «чудес». Колосс Родосский не сохранился до нашего времени.

Синкретическая эллинистическая культура была унаследована и римлянами, и Византией, и арабами и вошла составной частью в золотой фонд мировой культуры.

Особенно велико было влияние культуры эллинизма на римскую культуру: в Рим были вывезены многие произведения искусства, библиотеки, образованные рабы и т.д., которые обогатили латинскую культуру, что красноречиво подтверждают слова римского поэта Горация:

Греция, пленницей став,

победителей грубых пленила.

В Лациум сельский искусства внесла

 

 

 

 

 

 

5. Основные достижения римской скульптуры

 

В скульптуре римляне намного отставали от греков, хотя в их портретах наличествует индивидуальность и попытка передать конкретный образ (в отличие от идеализированных греческих статуй). В то же время римской скульптуре республиканского периода свойственны некоторая упрощенность и угловатость форм.

Памятники римской скульптуры 11-1 вв. до н.э. весьма немногочисленны. Это, например, так называемый «Брут» (предположительно статуя Юлия Брута, бывшего образцом доблестного гражданина), выполненный из бронзы.

Главные улицы и площади города Рима в позднереспубликанский период украсились великолепными мраморными статуями, в основном копиями греческих мастеров. Благодаря этому до нас дошли произведения знаменитых греческих скульпторов: Мирона, Поликлета, Праксителя, Лисиппа.

Во II в. в Риме появляются первые конные статуи. Одна из них — конная статуя Марка Аврелия, которая до сих пор украшает Капитолийскую площадь.

Особое место в истории древнеримского и всего мирового искусства занимает скульптурный портрет, ведущий свое происхождение от римской традиции отливать восковые маски с лиц умерших.

Возникнув еще в республиканскую эпоху (мраморные бюсты Помпея, Цезаря, Цицерона и др.), он достиг своего высшего расцвета в эпоху Империи. Очень выразительны портретные бюсты императоров: Филипп Аравитянин, Каракал-ла, Веспасиан, Домициан, Вителлий, — целая галерея характеров, наклонностей, страстей предстает перед нами в римском портрете. Если греческие статуи содержали, как правило, идеализированный образ, то римские бюсты поражают своей жизненностью и правдивостью, хотя некоторые из них и не лишены героизации и театральности.

В разных музеях мира, в т.ч. и в петербургском Эрмитаже, хранится огромное количество римских портретных бюстов и слепков с них. Среди них — императоры и политические деятели, полководцы, ораторы, чиновники и просто безымянные римляне, в лицах которых явственно проступают характеры, эмоции и настроения.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Список литературы

 

  1. Бритова Н.Н. и др. Римский скульптурный портрет. М., 1975.
  2. Винничук Л. Люди, нравы и обычаи Древней Греции и Рима. М., 1988
  3. Кармин, А.С. Культурология: Учебник / А.С. Кармин.– 7-е изд. Стереотип.–СПБ.: Лань, 2010.
  4. Куманецкий, К. История культуры Древней Греции и Рима /К. Куманецкий.– М.: Экзамен, 2007.
  5. Лосев А.Ф. Двенадцать тезисов об античной культуре // Студенческий меридиан. 1983. № 9 –10.
  6. Ривкин Б.И. Античное искусство. М., 1972.
  7. Соколов Г.И. Искусство Древнего Рима. М., 1971.
  8. Торосян, В.Г. Культурология: история отечественной и мировой культуры: Учебн. пособие для вузов / В.Г. Торосян.–М.: Владос, 2005.
  9. Чубова А.П. и др. Античные мастера. Скульпторы и живописцы. Л., 1986.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     


     

<

Комментирование закрыто.

WordPress: 21.79MB | MySQL:112 | 1,312sec